Se está convirtiendo ya en costumbre el espectacular nivel de la edición de clásicos y reediciones de obras de gran calidad. Vaya por delante, sin duda, la labor que está haciendo la Editorial Dolmen con su línea de clásicos de tiras de prensa, que bajo la dirección de Rafa Marín y con Jesús Yugo en la dirección artística está consiguiendo una edición casi canónica de obras maestras del noveno arte como el Flash Gordon de Alex Raymond o el Prince Valiant de Harold Foster, a los que este año se han sumado la fundamental Johnny Hazard de Frank Robbins o referentes del comic-strip como Phantom, Mandrake y Agente Secreto X-9. Una auténtica gozada a la que la editorial suma la recuperación de uno de los mejores tebeos de nuestro país: el imaginativo y maravilloso Pumby, de José Sanchis, con el asesoramiento de Antonio Busquets. Una moda de reediciones de clásicos a la que Planeta se ha unido con la edición del primer volumen de Rip Kirby, de Alex Raymond. Una excelente noticia que debe consolidarse, para entender la importancia que ha tenido la tira de prensa americana clásica en la definición y evolución del lenguaje del cómic. Clásicos indiscutibles que, como se está haciendo en estos casos, deben editarse con la necesaria contextualización de unas obras que en algunos casos cargan ya sobre sus espaldas con más de 7 décadas, ayudando y guiando al lector en la comprensión de la importancia de unas obras que no pueden ser leídas sin tener en cuenta su momento de creación y la influencia posterior que crearon.

Dentro de esta línea de recuperación de clásicos, hay que hacer especial mención a la labor continuada que está haciendo la editorial Panini reivindicando desde diferentes líneas los clásicos del comic-book de superhéroes de la editorial Marvel. Ediciones de clásicos como La saga de Fénix Oscura, de Claremont y Byrne, la colección dedicada a Jim Starlin con algunas de sus obras más recordadas, como La saga de Thanos o El Guantelete del Infinito; el Dr. Extraño de Gene Colan; los Nuevos Mutantes de Claremont y McLeod; el Capitán Britania de Moore, Delano y Davis o las famosas novelas gráficas de La muerte del capitán Marvel, de Jim Starlin; Dios ama, el hombre mata de Claremont y Anderson o Elektra Asesina de Miller y Sienkiewiccz son solo algunas de las muchas recuperaciones de clásicos del cómic de superhéroes, a las que hay que añadir colecciones míticas de la editorial como Werewolf by night o Sang-Chi. Junto a estas, hay que añadir la reedición de series tan destacables como Hulka de Dan Slott y Bobillo, La visión de Tom King y Gabriel Hernández Walta: el Iron Fist de Brubaker, Fraction y David Aja o el Marvels de Busiek y Ross. En esta línea de recuperación de clásicos del género hay que incluir también a la editorial ECC, que se apunta series como el Escuadrón Suicida de Ostrander, Wonder Woman de George Pérez; El cuarto mundo de Jack Kirby; Green Lantern/Green Arrow de O’Neill y Adams o Astro City de Busiek. La editorial sigue recuperando todos los clásicos de Vértigo, como el Sandman de Gaiman; Y, el último hombre, de Brian K Vaughan y Pia Guerra o La cosa del Pantano de Moore, a lo que hay que añadir la continua reedición en diferentes versiones de ya clásicos como el Dark Knigth de Miller, La broma asesina de Moore y Bolland, V de Vendetta o Watchmen. Junto a estas, reediciones en formato integral de series muy destacables de los últimos tiempos como El sheriff de Babilonia, de Tom King y Mitch Gerads o el Scalped de Jason Aaron.

Hay que añadir a la labor de estas dos editoriales la de Diábolo, que ha comenzado a editar la colección de clásicos del comic-book de género dirigida por Craig Yoe con el inclasificable (y genial) Frankenstein de Dick Briefer.

La recuperación de cómic europeo sigue con fuerza, con dos obras fundamentales a la cabeza: por un lado, la exquisita edición en integrales del Spirou de Franquin que está realizando Dibbuks y la de El teniente Blueberry de Norma. La editorial Ponent Mon ha seguido con su línea editorial de clásicos europeos con las colecciones de Barbarroja, Tanguy y Laverdure, Yoko Tsuno o Buddy Longway, a la que ha añadido otra recordada obra, el Simon del Río de Auclair. Y sigue apostando por el fumetti italiano con la poco conocida Siberia, de Attilio Michelluzzi.

La editorial ECC ha seguido publicando todo un referente del western, la excelente Ken Parker, de Berardi y Milazzo y una de las mejores obras del cómic europeo moderno, Mr. Jean, de Dupuy y Berfberian. Astiberri recuperó dos obras magistrales de Lapière y Pellejero: Un poco de humo azul y El vals del gulag, mientras que Fulgencio Pimentel se marcó una edición exquisita de Sócrates, de Sfar y Blain.

El manga también ha tenido sus clásicos, como la espectacular colección dedicada a Osamu Tezuka que ha editado Planeta, con la recuperación de la magistral Black Jack, a lo que hay que añadir la edición de Satori de Mi vida sexual y otros relatos eróticos,  de Shotaro Ishonomori o el delirante Lupin III de Monkey Punch que ha editado Panini.

El cómic español no se ha quedado atrás: este año ha sido el de la decisiva y necesaria edición del Cuto de Jesús Blasco (ECC), todo un clásico de nuestro cómic, junto con la edición integral del Eloy, de Hernández Palacios (Ponent Mon). Además, se ha reivindicado a dos autores poco recordados, como Rafael Auraleón, del que la Asociación Cultural Tebeosfera ha editado la recopilación de historias cortas Caos; y a Leopoldo Sánchez, del que Ponent Mon ha publicado también una selección de historias cortas bajo el título Tú mismo. Por último, alabar el buen gusto de Reino de Cordelia al recopilar las historias cortas de Elisa Gálvez y federico del Barrio en Tiempo que dura esta claridad.

Y para acabar el repaso, hay que destacar especialmente la espectacular edición remasterizada de una obra maestra absoluta: El Eternauta de H. G. Oesterheld y Francisco Solano López (Norma).

El 2017 fue pródigo en tebeos de calidad, pero en lo que a reediciones corresponde, ha sido espectacular. Una circunstancia que se puede leer en términos de maduración de un mercado que ya considera como normal que las obras clásicas del tebeo estén permanentemente reeditadas o, por el contrario, como signo de ese mercado minimalista donde ya es rentable hacer tiradas muy pequeñas de cualquier cosa. Posiblemente, como siempre, la situación real se encuentra en el medio y, si bien algunas de las ediciones sean producto de la facilidad con la que hoy se edita en tirada pequeña, no se puede obviar que debe existir un mercado que las admita y que las considere, aunque sea en esos mínimos.

En cualquier caso, un año como digo excelente que hace que, casi me atrevo a decir, estas reediciones sean las grandes estrellas editoriales del 2017. Muy rápidamente, resaltemos la espectacular edición del Mort Cinder, de H.G. Oesterheld y Alberto Breccia que ha hecho Astiberri. Un clásico absoluto del noveno arte, una obra maestra que la editorial vasca edita rigurosa y exquisitamente, con una calidad que bordea ese concepto moderno del “artist’s edition”, permitiendo admirar el trabajo de los originales del maestro Breccia. El tebeo que hay que comprar si hubiera que elegir solo uno de este año. Un indispensable, como lo es la cuidada edición integral de Alack Sinner, de Muñoz y Sampayo publicada por Salamandra Graphic. Un grueso volumen de casi 700 páginas que recopila una de las grandes obras maestras del medio, de necesaria lectura y disfrute.

Astiberri también se ha marcado la recuperación de dos obras importantísimas: el Siete Vidas, de Josep Mª Beà y El último recreo, de Carlos Trillo y Horacio Altuna, la primera, una de las obras fundamentales del cómic español de los 80, toda una genialidad de Beà que aborda la autobiografía desde una mirada original y diferente. La segunda, un clásico de la ciencia-ficción moderna, comprometido y arriesgado, de nuevo con una calidad de edición espectacular.

Josep Mª Beà ha sido también protagonista de dos recuperaciones fundamentales: El hombre de los mil estilos y La muralla (Trilita). La primera descubrirá a muchos la infinita plasticidad de un autor que se multiplicó por innumerables seudónimos, creando con cada uno un estilo diferenciado y, en muchos casos, adelantándose a su época. El segundo, la introducción del carismático Gatony y una inmersión sin fondo en el onirismo.

El cómic español ha tenido más recuperaciones, como la necesaria de Anarcoma, de Nazario (La Cúpula), posiblemente la obra más irreverente y provocadora que ha tenido (y, seguramente, tendrá) nuestro cómic. La Cúpula ha recuperado también uno de sus clásicos, Alta Tensión, de Alfredo Pons, un autor que se sumerge en los bajos fondos de una sociedad que se estaba construyendo. De los años 80 es también la magistral Rambla Arriba, Rambla Abajo, de Carlos Giménez (Reservoir), una obra maestra que conecta Barrio con Los profesionales, cerrando el círculo de la memoria histórica de este país que ha firmado Giménez. Los clásicos del tebeo español se completan con la edición integral de Los grandes inventos del TBO, de Sabatés (Ediciones B), todo un referente de nuestro tebeo que saltó de sus páginas para convertirse en frase hecha.

Astiberri ha recuperado también obras modernas de autores españoles que son fundamentales para entender la evolución de nuestro cómic: Dr. Uriel, de Sento es una de las mejores obras sobre la guerra civil española, editada en recopilatorio con cariño y calidad; Carlitos Fax, de Albert Moneys (¡Caramba!) es una de las mejores obras de humor de los últimos años, todo un homenaje a la escuela clásica de Bruguera convenientemente actualizada y Una posibilidad, de Cristina Durán y Miguel Ángel Giner recopila las dos fundamentales obras de estos autores, emotivas a la par que necesarias. El tebeo europeo ha tenido también importantes aportaciones, como la reivindicada edición integral del Spirou de Franquin, que dibbuks borda en el volumen Spirou y Fantasio integral 1936-38. La editorial madrileña está cuidando la edición integral del famoso botones, y ha publicado también el volumen Spirou y Fantasio integral 1992-1999, de Tome y Janry, que incluye la interesante inédita “La maquina que sueña” y QRN en Zolburg una apasionante edición comentada. Siguiendo con el cómic francés, Reservoir Books ha editado un volumen de lujo de El Incal, de Jodorowsky y Moebius  y Planeta Cómic ha recuperado uno de los grandes cómics del género histórico, Las Torres De Bois Mauri Integral 1.  Ha tenido especial atención este año el cómic italiano, con las cuidadísimas ediciones de los Cuentos y leyendas, de Battaglia y Petra Chérie, de Attilio Micheluzzi, ambas de la mano de Ponent Mon, así como la edición de un clásico del western, el Ken Parker, de Milazzo y Berardi (ecc). Hasta el británico ha tenido su espacio con Casi todo Baxter: Nuevas y escogidas ocurrencias, de Glen Baxter (Anagrama).

El cómic japonés también ha tenido su parcela en reediciones importantes, como el extraordinario Hitler, de Shigeru Mizuki (Astiberri), la escalofriante Uzumaki, de Junji Ito (Planeta) o la magistral Ayako, de Osamu Tezuka (Planeta).

Respecto al cómic americano, la mejor noticia ha sido, sin duda, la puesta en marcha de la colección Sin Fronteras de Dolmen, que está realizando unas ediciones de referencia de los grandes de la tira de prensa. Y es que se nota el cuidado y cariño que ponen en la colección Rafa Marín en la dirección y Jesús Yugo en el diseño, cuidados y trabajados como pocas veces se han visto. Las nuevas ediciones de Prince Valiant, de Harold Foster, Johnny Hazard, de Frank Robbins, Flash Gordon, de Alex Raymond son, como digo, referencia para futuras ediciones y la mejor excusa para hacerse con estos clásicos inmortales de la historieta. Además, Salamandra Graphic ha recuperado un clásico moderno, La vida es buena si no te rindes, de Seth y Panini y ECC han mantenido su continua recuperación de clásicos de la historieta de superhéroes, desde la edición en grapa de Watchmen o el volumen 30 aniversario del Batman Año Uno (ecc) a grandes series de Marvel como Sang-Chi: Maestro del Kung-Fu o el Hulka, de John Byrne (Panini).

Me van ustedes a perdonar la pose snob, pero las mejores lecturas que he tenido este año me las han proporcionado tebeos publicados allende nuestras fronteras. Que no es que el año patrio haya sido malo, ni mucho menos, como veremos más adelante, pero es que las seis obras que voy a comentar brevemente me han dejado patidifuso. La primera, la impresionante My favorite thing is monsters, de Emil Ferris (Fantagraphics), que ya está arrasando, con merecimiento y lógica en casi todas las listas que se han hecho de lo mejor del año en los USA. No es para menos, dejando de lado la sorprendente historia de su autora y su magnética personalidad (busquen entrevistas, se lo aconsejo), Ferris ha construido con esta obra un debut tan inesperado como inédito, en tanto está llamada a ser una de las mejores obras publicadas -y no exagero, creedme- en lo que llevamos de siglo XXI. Una historia que nace desde lo privado, desde el supuesto cuaderno de recuerdos, para ir creciendo en todas las direcciones. El diario de una niña que se cree hombre lobo en el Chicago de los años 60 y su investigación de la extraña muerte de su vecina abrirá una conexión en el tiempo hasta un terrible relato de abusos en la Alemania prenazi y el holocausto. Una ficción que bebe de la realidad para crear un discurso propio donde la aproximación gráfica es fundamental, con ese estilo hiperrealista a bolígrafo que construye la memoria a modo de nota desordenadas. A medida que ahondamos en su lectura, la sorpresa va en aumento: la obra va adquiriendo nuevos matices, nuevas lecturas, que nos permiten vislumbrar que esos paisajes caóticos conforman un monumento impresionante, con un sentido y una razón, haciendo que pasado, presente y futuro se diluyan en un único camino. Para el 2018 está prevista la aparición del segundo volumen de la obra en EE.UU. y del primero en España (publicada por Penguin Random House). La obra de la década.

La segunda, la contundente La terra dei figli, de Gipi (Coconino Press). El italiano se aventura en el género postapocalíptico, demostrando que las letanías que anunciaban su final por saturación solo recordaban el terrible veneno que supone la repetición para los géneros. Porque Gipi no necesita explicaciones ni justificaciones para adentrarse en la historia sin red, dejando que los personajes respiren, sufran y vivan, dejando que al lector la búsqueda de respuestas. Una de las mejores obras de este autor, que se publicará en España en 2018 de la mano de Salamandra Graphic. La tercera plaza corresponde a Les amours suspendus, de Marion Fayolle (Magnani), donde la autora prosigue con su particular uso del simbolismo gráfico para realizar una triple pirueta sin red, una apasionante reflexión sobre el amor, sobre la pasión y el enamoramiento que la autora compone a ritmo de comedia musical silente, de canciones que dialogan creando su propia música visual. Maravilloso. Y la cuarta de este particular podio es para Deserto/Nuvem, de Francisco Sousa Lobo (Chili Com Carne), en la que el portugués confirma ser uno de los autores más sugerentes del panorama europeo actual. Una obra formada por dos relatos: por un lado, el que realiza sobre la Cartuja de Évora, una magistral reflexión sobre la existencia, sobre el silencio y la creencia, en la que Sousa entremezcla la arquitectura de la página con la real. Por otro, el relato del proceso creativo, de la investigación y de sus reflexiones personales, de cómo la obra puede cambiar al autor.

Para el final dejo dos obras que, sin ser estrictamente de cómic, reflexionan sobre el medio desde distintas y apasionantes perspectivas: Variations, de Blutch (Dargaud) y Monograph, de Chris Ware (Rizzoli). La primera, un juego de homenajes en el que el dibujante recrea páginas de obras famosas de Morris, Franquin o Lauzier, entre otros muchos. Más allá de la curiosidad, el trabajo de Blutch nos habla de la plasticidad del medio, de cómo el discurso del autor es construido por su estilo. La segunda, un impresionante documento sobre el autor de ACME Novelty Library, una especie de desnudo integral de su proceso creativo, de la investigación gráfica del gran renovador del lenguaje del cómic.

Los mejores publicados por estos lares

“La edad de oro del cómic en España” fue un titular que desató no pocas polémicas, pero que recoge con exactitud la realidad que está viviendo el lector de cómics en nuestro país: una diversidad tan inabarcable como espectacular. El cómic forma parte ya de la oferta editorial de todas las editoriales, pequeñas y grandes, exhibiendo una oferta inimaginable hace 20 años. De las apenas 600 novedades que enumeraba el anuario del tebeo editado por Glénat en 1993 a las casi 4000 que tenemos 25 años después. Busquen lo que quieran: hay para cualquier lector, para cualquier gusto. Desde el aficionado que quiera lo más rupturista y vanguardista hasta aquél que solo quiera evasión, desde el que busca la reflexión más profunda al que quiere recuperar con nostalgia sus lecturas pasadas. Hay sitio para todos. Una abundancia que hace cada vez más difícil la confección de las “listas del año”, porque la sensación de que se han quedado muchas cosas fuera es casi opresiva. En mi caso, de las miles de novedades que salen en España puedo haber leído una cantidad muy importante, pero ridícula si la comparamos con el global. Y eso que juego con ventaja, porque muchísimas de las reediciones y recuperaciones que se han editado en nuestro país ya disfrutado, igual que muchas obras que ya había leído en su idioma original. Ventajas de la edad, que alguna tendría que tener. Pero, pese a mi disciplina de un tebeo diario, apenas llegaré a haber leído entre 400 y 450 de las novedades publicadas en España: poco más de un 10%. Querer hacer de ese porcentaje una generalidad es absurdo y poco riguroso. Así que estos listados son, simplemente, una selección de mis lecturas: tómenlos con la debida prevención y solo como una recomendación más cuya utilidad dependerá, por supuesto, de los gustos particulares de cada uno o cada una. Ahí va la lista (como siempre, el orden es más o menos a bulto, se podrían considerar grandes bloques de diez obras donde decidir que una es mejor que otra es casi absurdo y solo depende de gustos y del momento):

1. Arsène Shrauwen, de Olivier Schrauwen (Fulgencio Pimentel)
2. Cuttlas, de Calpurnio (DeBolsillo)
3. El club del divorcio, de Kazuo Kamimura (ECC)
4. La mujer de al lado, de Yoshiharu Tsuge (Gallo Nero)
5. Pinturas de guerra, de Ángel de la Calle (Reino de Cordelia)
6. Revista M21, de VV.AA
7. Roco Vargas: Júpiter, de Daniel Torres (Norma)
8. Estamos todas bien, de Ana Penyas (Salamandra Graphic)
9. Nuevas estructuras, de Begoña García-Alén (Apa Apa)
10. Las 100 noches de Hero, de Isabel Greenberg (Impedimenta)
11. La levedad, de Catherine Meurisse (Impedimenta)
12. Cómics 1994-2016, de Joulie Doucet (Fulgencio Pimentel)
13. Los cuadernos de Esther, de Riad Sattouf (Sapristi)
14. Face, de Rosario Villajos (Ponent Mon)
15. El Sr. Lambert, de Sempé (Blackie Books)
16. El patito Saubón, de Carlos Nine (Reservoir Books)
17. Una hermana, Bastien Vivés (Diábolo)
18. Cortázar, de Marc Torices y Jesús Marchamalo (Nórdica)
19. Un policía en la luna, de Tom Gauld (Salamandra Graphic)
20. El informe de Brodeck, de Manu Larcenet (Norma)
21. Conociendo a Jari, de José Jajaja (Fulgencio Pimentel)
22. Maldito Allende, de Olivier Bras y Jorge González (ECC)
23. TIK TOK comics (http://www.tiktokcomics.com)
24. La pequeña forastera, de Nagabe (ECC)
25. Oscuridades programadas, de Sarah Glidden (Salamandra)
26. Hâsib y la reina de las serpientes, de David B (Impedimenta)
27. Estela plateada, de Dan Slott, Mike Allred y Laura Allred (Panini
28. Las cosas del querer, de Flavita Banana (Lumen)
29. Disparen al humorista, de Darío Adanti (Astiberri)
30. Viñetas de plata, de Laura Pérez Vernetti (Reino de Cordelia)

Vale, acepto que hago un poco de trampa al colocar en primera posición el magistral e hipnótico Arsène Schrauwen, de Olivier Schrauwen (Fulgencio Pimentel). Es cierto que se debería colocar en la lista de “reediciones y recopilatorios”, pero aprovecho que el tercer volumen se publicó durante este año para justificar que esté en la lista principal. Justificación personal absurda, porque Schrauwen ha conseguido con esta obra crear algo que trasciende cualquier medida. Los hallazgos formales de esta aventura fitzcarraldiana son inacabables, pero que no oculten un discurso que es capaz de transitar sin despeinarse desde el realismo mágico al surrealismo, desde el costumbrismo al relato colonial, de la reflexión psicológica a la histórica. Y es posible que con Cuttlas, de Calpurnio (DeBolsillo) se pueda argumentar que es un recopilatorio de las planchas publicadas en 20 minutos, pero me da igual: la genialidad de esta serie es apabullante, capaz de seguir innovando en cada historieta, capaz de extraer nuevas e inexploradas posibilidades a la narración gráfica después de 35 años. De El club del divorcio, de Kazuo Kamimura (ECC), solo puedo decir que ya era hora que se publicaran las grandes obras de un autor que en nuestro país solo se conocía a la sombra de Tarantino. Sus obras son brutales acercamientos a la miseria humana, que duelen al leerlos. Igual que las obras de Yoshiharu Tsuge, de quien Gallo Nero publica el recopilatorio de relatos cortos La mujer de al lado. Poco se puede decir de esta obra que no sean epítetos hiperbólicos. La primera obra española en la lista es el Pinturas de guerra, de Ángel de la Calle (Reino de Cordelia), un autor que se prodiga poco, demasiado poco, a la vista de la imponente obra que ha publicado este año. Una denuncia de la violencia de las dictaduras, pero que esconde capas y capas de reflexiones, personales, políticas, sobre la creación, sobre el arte. Una obra que en cada nueva lectura presenta nuevos caminos inexplorados.

Treinta y cinco años después de que la revista MADRIZ cambiara mi forma de apreciar la historieta, la emisora de radio municipal M21 recupera ese espíritu transgresor para crear la Revista M21, un sólido proyecto que toma aquel concepto para actualizarlo a través del lenguaje del periodismo. Una iniciativa de cómic periodístico con una selección fabulosa de autores y autoras, que sabe apostar por la innovación en el estilo, pero también por el respeto a los grandes autores. Para mí, desde luego, una de las grandes sorpresas de este año. Con Júpiter (Norma Editorial), Daniel Torres consigue lo imposible: volver a la saga de Roco Vargas para cerrar todos los flecos abiertos, para mirar atrás y tomar impulso hacia el futuro. Torres experimenta con la narración, se deja llevar por la exploración de nuevos caminos en lo gráfico, pero con mano firme en una historia que para el lector de la saga es perfecta y, me atrevo a decir, emotiva.

Estamos todas bien (Salamandra Graphic), es el sorprendente debut en la novela gráfica de Ana Penyas, una joven ilustradora que llega al cómic con las ideas muy claras y una obra que reivindica el recuerdo de esas mujeres calladas que vivieron durante la dictadura a través de a vida de sus dos abuelas. Penyas maneja los silencios con soltura, pero sobre todo me ha fascinado cómo narra con los segundos planos, con los escenarios, dándoles carta de protagonismo propio. Una obra excelente que promete mucho. Otra obra de autora fascinante es Nuevas estructuras, de Begoña García-Alén (Apa Apa), auténtico ejercicio de estilo en el que la autora desarrolla una recorrido por los lugares fijándose en las miradas en los pequeños objetos, componiendo un ritual de poesía visual en el que cada página actúa como la estrofa de un poema, en un difícil pero conseguido equilibrio de la imagen, de las viñetas y del texto que genera experiencias emotivas y sensitivas.

Y la primera decena se cierra con una autora que está demostrando pese a su juventud un discurso de una solidez y recorrido difícil de igualar: Isabel Greenberg. Con Las 100 noches de Hero (Impedimenta) vuelve a su tierra temprana para explorar diferentes temáticas desde la reivindicación de la fábula, de ese cuento moral clásico que Greenberg demuestra es válido más allá del canon clásico para reflexionar sobre el empoderamiento de la mujer, sobre la fuerza de la ficción y, por supuesto, la universalidad del amor.

Poco se puede añadir a todo dicho sobre La levedad, de Catherine Meurisse (Impedimenta). Catarsis personal del terrible trauma de los asesinatos de Charlie Hebdo que la autora redirige por el camino de la exploración del arte como redención y salvación. Un relato duro, visceral, pero que es también una de las más bellas declaraciones de amor al arte y su necesidad. Cómics 1994-2016 (Fulgencio Pimentel) recopila todo el trabajo de Joulie Doucet en el cómic, una buena parte inéditos en nuestro país. La obra de Doucet nace del underground más canónico y se proyecta hacia una nueva forma de entender la creación desde la ruptura con lo establecido. Es posible que la obra de Doucet sea de las más influyentes que se han dado en las últimas décadas. No soy gran fan de Sattouf, pero no puedo menos que descubrirme ante Los cuadernos de Esther (Sapristi Cómics), brillantísimo proyecto en el que toma el diario de una niña de nueve años para crear un retrato revelador de la sociedad moderna. Lúcido y mordaz, los dos volúmenes publicados este año son dos joyas. Face, de Rosario Villajos (Ponent Mon) fue toda una sorpresa: un relato construido desde la ausencia del rostro, de ese supuesto “reflejo del alma”, lo que le permite a Villajós hacer una reflexión apasionante sobre sobre las personas y sus relaciones.

De El Sr. Lambert (Blackie Books) solo voy a decir que es Sempé. Y eso debería bastar. Igual que de El patito Saubón (Reservoir Books), inexplicablemente inédita en castellano pese a su reconocimiento en Angoulême como mejor álbum…¡en 2002!. Solo decir Carlos Nine debería ser suficiente. Una absoluta genialidad. En Una hermana (Diábolo), Bastien Vivés vuelve a desatar esa capacidad única que tiene de transmitir sensaciones y sentimientos con su trazo. Un relato de iniciación adolescente, de descubrimiento de la sexualidad que no se lee, se siente.

En Cortázar (Nórdica), Marc Torices y Jesús Marchamalo firman una excelente biografía del gran escritor de Rayuela, basada en el espectacular trabajo simbólico del dibujo de Torices. Por su parte, Un policía en la luna, de Tom Gauld (Salamandra Graphic) es una sorprendente vuelta de tuerca a la aproximación sobre la soledad del astronauta, ciencia-ficción desde una perspectiva no canónica genial.

El informe de Brodeck, de Manu Larcenet (Norma) adapta la novela del mismo nombre de Phillipe Claudel con un despliegue gráfico aplastante. El trabajo de Larcenet, inspirado en el expresionismo de los Breccia, consigue dotar a la obra de una fuerza extraordinaria, basado en un blanco y negro de cortante dureza. En el extremo opuesto gráfico encontramos Conociendo a Jari, de José Jajaja (Fulgencio Pimentel), una obra insólita en su propuesta argumental y desarrollo, donde JaJaJa vuelve a romper toda convención y código preestablecido para conseguir que el lector empatice con un personaje tan detestable.

Maldito Allende, de Olivier Bras y Jorge González (ECC) es un necesario doloroso acercamiento a la figura de Salvador Allende y el inicio del régimen de Pinochet en Chile. La pequeña forastera, de Nagabe (ECC) es toda una sorpresa, un cuento oscuro y tenebroso que se va tejiendo desde la sencillez de la relación de una niña con un extraño monstruo, pero sobre todo por las preguntas sin respuesta. Me ha dejado encantado el ciclo de Dan Slott, Mike Allred y Laura Allred en Estela plateada (Panini), una inspirada aproximación al personaje desde el respeto a la creación de Kirby y Lee que ha sido capaz de combinar el humor con la imaginación desbordada y un final maravilloso, de esos que dan ganas de leer una y otra vez.

Podía haber elegido tanto Las cosas del querer (Lumen) como Archivos estelares (Caramba), pero lo que es imposible es no hacer un listado sin Flavita Banana, posiblemente la mejor humorista hoy en día, heredera de ese humor de sentido común aplastante y demoledor de El Roto, pero actualizado con una mirada renovada. Hablando de humor, Disparen al humorista, de Darío Adanti (Astiberri) es el mejor ensayo escrito sobre los límites del humor y el preocupante aumento desmedido de la corrección política como autocensura encubierta. Oscuridades programadas, de Sarah Glidden (Salamandra) es una obra que sorprende porque, tras su apariencia de ensayo sobre la situación en Oriente Medio, es una interesantísima reflexión sobre el periodismo y sus motivaciones.

Hâsib y la reina de las serpientes (Impedimenta) es David B en estado puro, exprimiendo su dibujo al máximo para transmitir esa sensación de maravilla de las mil y una noches. En Viñetas de plata (Reino de Cordelia), Laura Pérez Vernetti logra su mejor ejercicio de la adaptación poética a través de la obra de Luis Alberto de Cuenca. Y, por último, mención de honor para Tik Tok comics (http://www.tiktokcomics.com), un proyecto de creación de vanguardia que sigue siendo ineludible en hoy en día para descubrir nuevas formas y creadores.

Pero la lista podría incluir muchas más obras. Dudando hasta el último momento he estado con cualquiera de las publicaciones de Fosfatina o con obras tan interesantes como El ruido secreto, de Roberto Massó (Spiderland), Hernán Esteve, de Esteban Hernández (Libros de Autoengaño), Cosmonauta, de Pep Brocal (Astiberri) o Un millón de años, de David Sanchez (Astiberri). Pero es que la lista de obras recomendabilísimas de este año puede llegar sin problemas al centenar.  Ahí han estado también las entregas de esa joya del yokai que es Kitaro, de Shigeru Mizuki (Astiberri), la imaginación desbordante de Ether, de Matt Kindt y David Rubín (Astiberri), la memoria vitriólica de Los sexcéntricos, de Ramón Boldú (Astiberri), la triste despedida de Nimio. Fantasía final, de VVAA (La Cúpula) o el duro relato de la manipulación de los sentimientos de Poncho fue, de Sole Otero (La Cúpula). Ojo también a las publicaciones museísticas, con el evocador Idilio, de Montesol (Ediciones del Museo del Prado), el sugerente paseo por el arte de Museomaquia, de David Sánchez y Santiago García (Edicions del museo Thysen) o el intrigante El perdón y la furia, de Altarriba y Keko (Museo del Prado). Ha sido el año de la despedida de Orgullo y Satisfacción: Grandes Éxitos, VV.AA. (Caramba) y de la vuelta de Paracuellos 8, de Carlos Giménez (Reservoir Books), así como del reencuentro con Gerard Miquel en Yo fui guía en el infierno (Desfiladero). Hemos tenido obras experimentales tan interesantes como Febrero para galgos, de Peter Jojaio (Entrecomics), Fragmentos seleccionados, de Andrés Magán (Apa-Apa), Ya será, de Klari Moreno (Libros de autoengaño), Zona Hadal, de Roberto Massó (Fosfatina), Fearless color, de Samplerman (Ediciones Valiente) o Desolation.exe, de Berliac (Fosfatina). Han sido puntuales a sus citas anuales Paco Roca (La encrucijada, con Juan M. Casañ, Astiberri), Miguel Brieva (La Gran Aventura Humana, Reservoir Books) y Juan Berrio (Te quiero, Impedimenta). Y no se nos puede olvidar destacar también obras como El arte de Charlie Chan Hock Chye: Una historia de Singapur, de Sonny Liew (Dibbuks / Amok), Hilda y el bosque de piedra, de Luke Pearson (Barbara Fiore), Shangri-La, de Mathieu Bablet (dibbuks), Valerosas, de Pénélope Bagieu (Dibbuks), I am a Hero, de Kengo Hanazawa (Norma), Jojo’s Bizarre Adventure (Ivrea), Equatoria, de Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero (Norma Editorial), Super Patata nº7, de Artur Laperla (Bang Ediciones/Mamut) o la efímera experiencia de Voltio (La Cúpula). Y acabo con un webcómic que finalizaba este año: Hopper, de F .H. Navarro.

Mañana, las reediciones del año.

Llego tarde para hacer una larga selección de novedades como hacía antes, pero me van a permitir hacer una serie de recomedaciones, tan telegráficas como visuales, de lo que creo es lo mejor que se va a encontrar en este salón del cómic de Barcelona…

Enlazando con la entrada de ayer, os cuelgo el texto que publiqué en Cartelera Turia para recordar a Micharmut

Micharmut (1953-2016)
Cuando entrabas en el estudio de Micharmut, uno sentía la extraña sensación de penetrar en un templo de la cultura popular. Las altas estanterías que empapelaban las paredes recogían desde modernas ediciones de Popeye a colecciones del DDT o de las novelitas de kiosco de Silver Kane, Curtis Gartland o Clark Carrados. Y, al lado de la ventana, una mesa de madera, antigua, que se alzaba paradójicamente como el altar máximo donde se ejecutó la mayor obra vanguardia del noveno arte. No se puede entender la obra de Micharmut sin conocer su pasión por la cultura popular, por el arte de Coll, Urda o Palop, por los géneros que se expresaban sin vergüenza en los cuadernillos de aventuras que trufaron su infancia entre el Cabanyal y Navajas. Fue el caldo de cultivo de un autor que aprendió a mirar esas obras como un arte al que le quedaban muchos peldaños por subir, y solo él fue capaz de ver que esa escalera era infinita en sus posibilidades. Sus compañeros de la llamada “Nueva Escuela Valenciana” y sus amigos coincidían en que era el gran genio del grupo, el gran renovador, el que se atrevía a romper todas las barreras y, con su entusiasmo, empujaba a los demás a encontrar nuevos límites a sus capacidades. Es imposible explicar la renovación que vivió el cómic en los 80 sin su figura, pese a que su obra solo obtuviera la incomprensión del público y de los editores. Dogón, Futurama, Raya… fueron obras que describían paisajes imposibles de la historieta, que definían posibilidades que estaban ahí, pero nadie se había atrevido a explorar antes.
Sin apenas posibilidades de publicar, tras esa declaración de rebeldía vital que fue Marisco, volvió a su mesa de trabajo para seguir mirando a su alrededor con una mirada que traspasaba los objetos para encontrar esencias vitales en lo inorgánico. Paco Camarasa entendió perfectamente que esa visión era única y una de las primeras entregas de la revolucionaria colección Mercat fue Veinticuatro horas, un retrato urbano que transformaba ese patio de vecinos que veía por su ventana en un ser vital y palpitante. Le siguió apoyando siempre, a sabiendas de que sus obras solo llegaban a una minoría y de que Micharmut creaba por pulsión.
Sabedor de que cada vez era más difícil publicar, encontró en internet un lugar donde poder tener todas las libertades que el papel le negaba. Solo para moscas (https://soloparamoscas.wordpress.com/) fue su espacio privado, su rincón de libertad donde solo importaba romper todas las ataduras impuestas para encontrar nuevos caminos. Durante cuatro años, su blog se convirtió en la expresión pura de la vanguardia del cómic, donde ni críticas ni prejuicios podían interferir un proyecto que, finalmente vio la luz en papel en 2012. Con el mismo título que su blog, el grueso volumen que publicó Edicions de Ponent era tan solo un pequeño exponente de los muchos recovecos que poblaban su mente: Krautodélica, KinoTBO, Pat y Murphy, Memorias de Cosas, Pictografías, 13 Rue Babilonia… Todos eran por separado genialidades indescriptibles. Juntos, una profunda renovación del cómic que establecía nuevas rutas para el noveno arte del siglo XXI. Tras este proyecto, volvió con ilusión a internet con Teatro Eléctrico (https://teatroelectrico.wordpress.com/), donde de nuevo planteaba un salto sin red, un gigantesco avance que, por desgracia, no finalizaría. Quizás, cuando publicó Time In Time Out en la antología Panorama (Astiberri), ya era inquietantemente consciente de que la parca rondaba demasiado cerca. Apenas unos meses después, comenzó una larga lucha que, al final, Quique perdió. Pero Micharmut sigue. Sigue en todas y cada una de esas obras avanzadas a su tiempo, que definieron la historieta como un arte vivo, vibrante y en continua mutación vanguardista.

Fotografía de García Póveda

ACTUALIZACIÓN DEL POST ANTERIOR: se me pasó hablar de dos obras realmente interesantes: Hopper, de F.H.Navarro (http://www.cachalotecomix.com/hopper), un webcómic que aprovecha las nuevas opciones narrativas que da la publicación digital desde una fascinante revisión poética de la geometría. Junto a esta obra, el interesante debut de Laura Pérez y Pablo Monforte en Náufragos (Salamandra Graphic), una historia de amor y desamor que se atreve con una fuerte carga literaria para asimilarla con naturalidad.

Y sigo ya con el post de hoy:

Si algo está caracterizando los últimos años es la efervescencia publicadora de recopilaciones en formato integral. Es cierto que la moda tuvo más que ver con el aprovechamiento del filón nostálgico que con la necesaria presencia continuada de los clásicos de la historieta en las librerías, pero poco a poco se ha consolidado como una excelente opción para recuperar obras que es necesario que estén al alcance de todos. La posibilidad de reducir tiradas hasta hacerlas casi a demanda, el espectacular abaratamiento de costes de preimpresión e impresión y una distribución que ya no requiere de mínimos se han aliado con los deseos de muchos lectores que querían recuperar lecturas de su juventud, indudablemente, pero también ha favorecido que determinadas obras que no entran de forma específica en esa categorización se recuperen para nuevos lectores. O, simplemente, porque sus ediciones anteriores no estuvieron al nivel de la obra y es necesario reivindicarlas.
La lista es imponente y es casi imposible hacer una selección dada su naturaleza de obras maestras, pero vais a permitir hacer una pequeña selección de sugerencias que encabezarían esta docenita:

1. Impresiones de la isla, de Carlos Portela y Fernando Iglesias (Retranca)
2. El teniente Blueberry Integral, de Charlier y Giraud (Norma Editorial)
3. Gastón el gafe, de Franquin (Norma Editorial)
4. Historias de Taberna Galáctica, de Josep Mª Beà (Trilita Ediciones)
5. Ayako, de Osamu Tezuka (PlanetaCómic)
6. Pequeño Vampir, de Joann Sfar (Fulgencio Pimentel)
7. Contra Raúl, de Raúl (Ponent Mon)
8. Perramus, de Juan Saturain y Alberto Breccia (001 Ediciones)
9. Extraño, de Steve Ditko y Stan Lee (Panini)
10. Benito Sansón, de Peyo (Dolmen)
11. Historias del barrio, de Seguí y Beltrán (Astiberrri)
12. Las aventuras de M, de Manel Gimeno (Reino de Cordelia)

Impresiones de la Isla es, a mi entender, uno de los grandes tebeos de la historia de este país. Un homenaje irredento a la historia del tebeo, de Explorigator a Krazy Kat, que sabe encontrar caminos propios a través de la indagación en un surrealismo vintage simplemente encantador y delicioso. De El teniente Blueberry, poco más se puede decir, es un clásico inexcusable. Igual que Gastón el gafe, mi serie preferida de Franquin que Norma publica con el cariño necesario para hacer olvidar desastres anteriores. De las Historias de Taberna Galáctica del Beà solo puedo decir que forman parte de mi educación sentimental como lector, pero además que son un festejo continuo de la ciencia-ficción desde una visión satírica que entronca desvergonzadamente con el teatro del absurdo. Ayako me parece una obra sublime sobre la miseria del ser humano, un catálogo de la depravación a la que puede llegar nuestra especie que debe ser leído. Pequeño Vampir es una delicia, uno de esos tebeos infantiles que los adultos debemos leer sin ningún tipo de prejuicio para poder disfrutar, de nuevo, del placer de leer como un niño. Perramus es un compendio de lo que es Argentina, una ficción que resulta un retrato fiel de un país tan desconocido como próximo. El Dr. Extraño de Ditko y Lee es puro delirio, es pop-art en estado de gracia superheroica, naif y hippy, delicioso. Benito Sansón (o Benet Tallaferro, como yo lo conocí en Cavall Fort) es mi serie preferida de Peyo, por encima –siento la herejía- de Johan y Pirluit o Los Pitufos. Cosa de la nostalgia y de, creo, la excelente mezcla de superhéroes y género negro que consigue Peyo (con la gran ayuda de Will) en esta serie. Historias del barrio crece en cada lectura y, a cada nuevo repaso, me parece una obra todavía más importante, sin duda, una de las grandes obras del cómic español de la última década. Y dejo como última a una pasión particular, más este año, como ya comentaré mañana: Las aventuras de M., obra de ese “lado oscuro de la línea clara”, como se autodenomina Manel Gimeno y que ha ganado enteros con el tiempo como una gran obra de género negro y ciencia-ficción que se anticipó a otras experiencias.

Pero la lista, como digo, es inmensa y debería incluir, por ejemplo, la recuperación en un solo volumen de los tres primeros números de ese inmenso fanzine que es Usted, de Esteban Hernández. Usted(es), recopilada acertadamente por Libros de Autoengaño, permite seguir el talento de este autor, posiblemente uno de los mejores que ha dado el cómic español de los últimos años. Hay sitio para el terror, con la inquietante  Tomie, de Junji Ito (ECC) y para la fantasía desbocada de Amazing Fantasy, de Jack Kirby, Steve Ditko, Don Heck (Panini). Precisamente esta última editorial se ha encargado este año de recuperar obras maestras del género superheroico que deben estar continuamente en las librerías, comenzando por las grandes creaciones de Frank Miller en Marvel, Daredevil, Daredevil: Born Again o Elektra Lives Again , pero siguiendo con los grandes iniciadores de la renovación que vivió el género en los sesenta, de Los Cuatro Fantásticos: Origen, de Jack Kirby y Stan Lee a La Patrulla-X contra Magneto (Stan Lee, Jack Kirby y otros), pasando por el pop Nick Furia, Agent of SHIELD, de Jack Kirby,Stan Lee y Jim Steranko o el ácido Howard el pato, de Steve Gerber.
A esta fiesta superheroica se ha sumado alegremente ECC Ediciones, que ha recuperado con fuerza todas las grandes series de los inicios del sello Vertigo de DC, como Animal Man, Hellblazer, La patrulla condenada y Orquídea Negra, pero también éxitos recientes como el excelente Scalped de Aaron y Guera o las enésimas, pero necesarias, reediciones de V de Vendetta y Watchmen.  Siguiendo con los superhéroes, Dolmen se apuntó con la recuperación de la divertida reescritura a la española del género que firmaron Rafa Marín, Carlos Pacheco y Rafa Fonteriz en Iberia Inc; y Planeta Cómic recopiló en integral el siempre estimulante Zot!, de Scott McCloud.
En la lista de obras europeas recuperadas tenemos desde la exquisita edición de Los pitufos integral, de Peyo (Norma Editorial); la sugerente Caroline Baldwin, de André Taymans (Yermo); el interesante género negro de Soda, de Warnant y Tomé (Ponent Mon); el corrosivo pero canónico Los innombrables, ciclo de Hong Kong, de Yann y Conrad (Dibbuks); la olvidada comedia costumbrista a la francesa Modesto y Pompón, Franquin y Greg (Dolmen) o incluso la recuperación del McCoy de Antonio Hernández Palacios y Gourmelen.

Los clásicos de siempre han tenido también su espacio, como las planchas dominicales del Tarzán de Harold Foster (Yermo), esa joya desconocida que es Vida, Dimes y Diretes Del Mago De Los Penetes, de Jaime Tomás García (Reino de Cordelia); el quinto volumen de Popeye, de Segar (Kraken), la nueva entrega de la gloriosa restauración en blanco y negro que Manuel Caldas hace de Príncipe Valiente o el maravilloso clásico infantil  Mumin, de Tove Jansson (Coco Books).

Más modernas, pero ya también clásicos son las tres grandes series de El Jueves, Martínez el facha, de Kim, Historias de la puta mili, de Ivà y Makinavaja, el último chorizo de Ivà, las tres editadas por Dolmen; la potentísima expresividad de las historias cortas de Enrique Breccia que 001 ediciones ha recuperado en La guerra del desierto; la socarrona mezcla de negro y ciencia-ficción de Bogey, de Antonio Segura y Leopoldo Sánchez (Ponent Mon); el magistral retrato de la homosexualidad en la América de los años 60 de Stuck Rubber Baby, de Howard Cruse (Astiberri); la imponente Las aventuras de Luther Arkwright, de Brian Talbot (Astiberri), base de la ciencia-ficción moderna británica o una de esas obras que ya forma parte del imaginario popular: 13 Rue del Percebe, de Francisco Ibáñez (Ediciones B).

Casi nada.

(Continuará)

Las cosas están cambiando en el tebeo hispano, y uno de los principales síntomas es que la otrora brutal avalancha de novedades salonera se ha convertido en un incremento que aprovecha tanto el salón como las celebraciones del Día del Libro, pero sin llegar ni de lejos a las exageraciones de otros años. Un detalle para el lector, que puede seleccionar con un poco más de tranquilidad y evitar que su bolsillo quede maltrecho durante meses.

Hago una rápida selección de lo más interesante de este salón, comenzando con las que son -a mi entender-, las cuatro novedades imprescindibles:

• El ala rota, de Kim y Altarriba (Norma Editorial, 23.90€). Extraordinaria contrapartida a El arte de volar, un recorrido sobre el papel de la mujer en la España de la posguerra a través de la figura de la madre del guionista. Un libro del que se debe hablar y aprender.
• La ternura de las piedras, de Marion Fayolle (Nórdica, 25€). Fayolle es una autora de la que apenas conocemos esa pequeña joyita de surrealista sexualidad que es Las traviesas (Apa Apa). Aquí desarrolla una historia durísima sobre la muerte de su padre, pero que su aproximación convierte en un poema gráfico inesperado, maravilloso.
• El piano oriental, de Zeina Abirechad (Salamandra, 28€). De esta autora libanesa ya había llegado su El juego de las golondrinas (Sins Entido), una obra interesante con, quizás, demasiada influencia de Satrapi en su planteamiento. Con esta nueva obra rompe toda prevención con un relato ambicioso que habla de la permeabilidad de las culturas, de la fascinación entre Oriente y Occidente, de la ingenuidad ante el mundo y de su propia vida. Un relato apasionante para el que propone un juego narrativo arriesgado lleno de simbolismos en el que la música y el dibujo se unen en pura sinestesia. Entre Ware y Satrapi, Abirechad encuentra un camino propio.
• Fartlek, de José JaJaJa (Fulgencio Pimentel, 30) Poco sabemos de esta obra, más allá de su voluminoso tamaño de más de 400 páginas. Pero viniendo de José JaJaJa solo se puede esperar un reto continuo al lector, romper con todos los prejuicios narrativos para descubrir nuevas posibilidades del lenguaje de la historieta. Y dejarse llevar por su propuesta.

Además de estas, muchos tebeos que pueden ser interesantes, apunten ustedes:

• Presas Fáciles, de Miguelanxo Prado (Norma Editorial, 19.50€). Cualquier nueva obra de Miguelanxo es de lectura obligatoria.
• Los Dientes De La Eternidad, de Jorge García y Gustavo Rico (Norma Editorial, 25€). Por fin se concluye esta revisión mitológica que el inteligente guion de García convierte en reflexión y la potencia de los dibujos de Rico en espectáculo visual.
• Una Chica Dior, de Annie Goetzinger (Norma Editorial,  35€) Esperadísima nueva obra de esta maravilla autora, responsable de algunas de mis obras preferidas de los 80 (como la inexplicablemente inédita en castellano La voyageuse de petite ceinture).
• Little Tulip, de Boucq y Charyn (Norma Editorial, 22€) Nueva reunión de esta pareja creativa, que siempre ha dado buenas obras en el pasado.
• Mara, de Enric Sió (Trilita, 18€) Necesaria reedición de una obra clave del tebeo español, sin la que no se puede entender la asimilación de los conceptos del cómic de autor que llegaban de la Francia de los 60 y 70.
• La aventura de Strong, de Martin y Salmon (Trilita, 22€) Un interesante libro teórico sobre una de las revistas más interesantes que se publicaron en los años 60 en España.
• Soda Integral 1, de Warnant y Tome (Ponent Mon, 36€) Un Thriller apasionante y entretenidísimo, de lo mejor del cómic francobelga de los años 90.
• Daredevil de Frank Miller y Klaus Janson (Panini, 60€). Un integral con toda la magistral etapa en este personaje de Miller, clave para la evolución del género y, también, del cómic americano.
• Popeye, ¿Qué es un jeep?, de Segar (Kraken, 35€) Afortunadamente, Kraken continua la edición de este clásico maravilloso del cómic. Uno de los mejores tebeos de la historia.
• Las Aventuras de Luther Arkwright, de Bryan Talbot (Astiberri, 26€) No se puede entender la ciencia ficción moderna sin este cómic y la fundamental influencia que ejerció sobre una generación de guionistas británicos como Alan Moore, Neil Gayman o Peter Milligan.
• Malaria, de Jali (Astiberri, 12€) La fantasía de El mago de Oz es transportada al personalísimo universo de Jali en una obra que fascina a cada paso.
• Como viaja el agua, de Juan Díaz Canales (Astiberri, 14€) Conocemos demasiado al Díaz Canales guionista y muy poco al excelente dibujante. Tengo muchísimas ganas de leer una obra de autoría completa suya.
• El olor de los muchachos voraces, de Loo Hui Phang y Frederik Peeters (Astiberrri, 22 €). Me declaro fan de Peeters, un autor al que siempre hay que darle una oportunidad.
• ID., de Emma Ríos (astiberri, 14€) Sabemos ya de la calidad de Ríos como dibujante, pero tengo mucho interés por su faceta de autora completa.
• El dios Rata, de Richard Corben (Planeta Cómic, 18.95€) Corben vuelve a la fantasía pura, con casi 75 años pero con la potencia de un chaval de 20 en las manos.
• Paletos Cabrones, de Aaron y Latour (Planeta Cómic, 14.95€) Aaron es un guionista sólido que dejó con muchas ganas de más en Scalped. Su trayectoria siguiente en el mainstream, aunque irregular, siempre ha cumplido con unos mínimos, lo que hace esperar mucho de una obra más personal.
• Spirou y Fantasio. Integral 1988-1991, de Tome y Janry (dibbuks, 25€). El fandom más duro no supo valorar, en mi opinión, la frescura y atrevimiento de estos dos autores. Una de las mejores etapas del personaje de Rob-Vel.
• La resistencia 2 (dibbuks) Juanjo el Rápido reúne a un grupo de autores increíble alrededor de esta revista. Muy recomendable.
• 15 años en calle, de Miguel Fuster. (Chula ink, 19.90€) Integral de esta interesante obra que relata la vida en la calle de su autor, Miguel Fuster.
• Duerme pueblo, de Nuria Tamarit y Xulia Vicente (La Cúpula, 12€) No hay sorpresa en el debú de estas dos autoras si se conocía su extraordinario trabajo en el fanzine Nimio. Un cuento clásico en su apariencia, pero que va transformándose en una atrevida propuesta.
• Voltio #1 (La cúpula, 12€) Muchos años después de El víbora, La Cúpula vuelve a publicar una revista con el mismo mordiente. Modernidad, frescura y una apuesta por los autores que darán que hablar en el futuro del cómic español.
• El día de julio, de Beto Hernández (La Cúpula, 12€). La competición entre los Hernández se iguala: tras varias obras maestras de Jaime, el Beto pone sobre el tapete una obra que recupera el mejor espíritu de Palomar, pero con personalidad propia y diferenciada.
• Hotel California, de Nine Antico (Sapristi, 19.90) La música se mete en las viñetas y se hace protagonista de un atípico viaje de maduración donde nada será lo que se espera.
• El guion del cómic, de Gerardo Vilches (Diminuta, 18€) Necesario era que se dedicara un espacio a los guionistas de cómic, siempre en la sombra de los dibujantes. Una obra teórica necesaria.
• Romance neandertal, de Juarma (Ultarradio, 10) La genialidad de Juarma es paralela a lo salvaje de sus tebeos. ¡Imprescindible!
• Chiisakobee, de Mochizuki (ECC, 9.95€) Un autor siempre en el límite, que ya demostró su calidad con obras como Fragon Head o MaiWai. Tengo mucha curiosidad.
• Punzadas de fantasmas, de Junji Ito (ECC, 14.95€) Posiblemente, el mejor autor de terror japonés actual, capaz de plasmar las páginas más desasosegantes.
• Fuga de la muerte, de Fidel Martínez (De ponent, 20€) Un dibujante excepcional, de una fuerza demoledora, que ofrece con esta su primera obra de autor completo. Hay que darle la oportunidad.
• Matías y la nube, de Sanfelippo y Palomera (Mamut, 13€) Todo lo que edita Mamut es maravilloso, así que con los ojos cerrados por esta nueva obra.
• La profecía del armadillo, de Zerocalcare (Reservoir Books, 17.90€) Llega a España la gran revelación del cómic italiano, un autor que aúna crítica y un espectacular éxito de público. Hay que leerlo.
• Perramus, de Sasturain y Alberto Breccia  (001 ediciones). Por fin está obra maestra en formato integral.

[Artículo publicado en el fanzine OuBaPo Los niños de Komodo, 2013]

Si nos atenemos a la historia, el movimiento OuBaPo (acrónimo de Ouvroir de Bande Dessinée Potentielle, Taller de Historieta Potencial) es descendiente directo del OuLiPo que fundaran el matemático François Le Lionnais y el escritor y poeta Raymond Queneau en 1960, un proyecto que pretendía espolear la creatividad estableciendo fronteras infranqueables, restricciones y condiciones que obligaban al autor a imaginar nuevas soluciones formales que abrieran nuevos caminos literarios. Aunque el concepto puede trasladarse a cualquier arte o forma creativa, no parece que exista mejor destinatario que el arte de la historieta para seguir el reto propuesto por las letras. Un arte invisible que tiene en la forma su elemento fundamental, su herramienta básica de construcción de la narración, podría extraer múltiples enseñanzas de la restricción formal, tanto como motivación creativa como por lo didáctico de que podría resultar la búsqueda de los elementos constitutivos básicos de su lenguaje. Dos autores, Lewis Trondheim y Jean-Christophe Menu, y un teórico, Thierry Groensteen, tomaron el guante de construir nuevas reglas para la creación a finales de los 80 y principios de los 90. El resultado forma parte ya de la historia: con L’Associaton como nexo de unión, un nutrido grupo de autores se lanzó a la experimentación oubapiana, a la deconstrucción del lenguaje en sus unidades mínimas para luego armar historias creadas desde un minimalismo compositivo. François Ayroles, Anne Barou, Patrice Killofer o Etienne Lecroart protagonizaron la explosión de un movimiento que tendría en la revista Oupus su portavoz y medio de expresión durante casi 20 años y que todavía hoy proyecta su influencia decisiva sobre autores como Ruppert y Mulot.

Sin embargo, ¿hasta qué punto el OuBaPo es realmente una expresión original en el noveno arte?¿Es realmente una innovación o tan sólo el reconocimiento de una línea preexistente innominada que toma por fin identidad y conciencia de sí misma? La pregunta no es ni capciosa ni baladí: la historieta ha sido un arte que ha nacido y se ha desarrollado desde la restricción formal exógena. El OuBaPo no deja de ser un juego autoimpuesto, unas reglas férreas pero consensuadas desde una libertad creativa absoluta, pero la emancipación de la historieta ha sido un proceso largo y complejo, que ha transitado un camino lleno de espinas. Baste ver las primeras expresiones de historieta en la prensa americana de finales del siglo XIX, que trasladaban la libertad formal de la experimentación fundacional de Töpffer a unas inflexibles condiciones de creación y producción, tanto en el contenido como sobre todo en un continente estrictamente limitado por el espacio que dejaba el periódico. Una restricción que, con el tiempo, se iría consolidando y endureciendo, llegando al límite total con la aparición de la tira diaria. Una línea, apenas un espacio de tres o cuatro viñetas que debían establecer una línea narrativa coherente que podría ser tanto autocontenida como parte de una narración extensa sobre la que debía expresar su independencia y sentido aislado. El lenguaje del cómic se configuró, desarrolló y expandió gracias precisamente a estas condiciones: en un espacio asfixiante, el creador debía contar una historia, establecer una estructura de presentación, nudo y desenlace coherente y sólida. Ante la carestía absoluta de medios narrativos, aquellos creadores tuvieron que establecer la elipsis como la base absoluta de la narración gráfica, la composición visual de las viñetas como una arquitectura narrativa básica que fuese compatible con la estética y con la funcionalidad.

La historia del cómic es, de momento, el relato de cómo han cambiado esas restricciones. Muchas veces impuestas por los usos sociales, otras simplemente por las limitaciones tecnológicas de la industria gráfica, pero siempre presentes: de la página al cómic-book, con un formato definido y un número de páginas establecido inamovible. De ahí, al álbum, 48 páginas a color con tamaño apenas modificable un par de centímetros. La revista con las restricciones de páginas a color y en blanco y negro, que limitaba a siete u ocho páginas la entrega periódica de la serie…. Cada época ha tenido un formato reinante, una condición de obligado cumplimiento para el autor, que poco a poco veía que su trabajo recibía un reconocimiento social que se traducía en una libertad autoral, pero que siempre tendría la frontera formal como barrera impracticable. Pero todo yugo tiene su fin: tras años de cautiverio, los autores se pudieron liberar de las cadenas de la imposición formal con el avance de una industria que, amparada en la tecnología, da por fin libertad absoluta al autor para controlar continente y contenido. Llega la novela gráfica, un formato liberador en las formas que dinamita tamaños, estilos y grosores. El autor ya no sólo puede contar lo que quiera, puedo hacerlo como quiera. En cierta medida, la historieta ha vivido un eterno OuBaPo, no consensuado ni aceptado, sino dictatorialmente impuesto por la industria y la tecnología, del que despierta por fin en el siglo XXI. Sin embargo, esta libertad lleva consigo retomar el espíritu OuBaPo: ¿puede la total y absoluta libertad creativa hacer que el necesario riesgo creativo se adocene? ¿Puede ser contraproducente el libertinaje creativo? La respuesta es, evidentemente, negativa. La creación precisa de la libertad para su expansión, no se le pueden poner cortapisas. Pero no menos cierto es que la inexistencia de límites en el arte no implica necesariamente la inexistencia de los individuales. Cada autor está marcado por su trabajo y vive y crea bajo los límites de su propia capacidad y esfuerzo. Aceptar y reconocer estos límites es necesario para poder rebasarlos, y la aceptación de retos desde esa libertad completa puede ser una catapulta para el autor, un estímulo infinito para encontrar nuevos caminos. Ahora que la libertad creativa es total, más que nunca, el OuBaPo renace como un instrumento de exploración y descubrimiento. Ya sea con las normas establecidas por Groensteen o, simplemente, como un ejercicio de estilo nacido como reto, la restricción formal es un poderoso motor de creación. Todo vale: desde la imposición temática a establecer que sólo se pueden utilizar determinado número de viñetas, desde jugar con dibujos preexistentes a sólo poder usar un tipo de trazo, desde cambiar el estilo constantemente a imitar otro, desde el juego individual al colectivo. Es un juego en el que los autores aceptan encerrarse ellos mismos en una mazmorra y tirar la llave: y ellos mismos deben descubrir cómo salir desde la constante experimentación. Los resultados pueden ser más o menos brillantes, divertidos o crípticos, conservadores o arriesgados, pero siempre serán sorprendentes, siempre establecerán la base de un nuevo camino a explorar. Y no sólo eso, enseñarán la esencia de un lenguaje, lo descompondrán para comprenderlo o para maravillarse ante una nueva lectura. Y, por eso, el OuBaPo debe seguir siendo eterno.

Más información sobre el movimiento OuBaPo:http://neuviemeart.citebd.org/spip.php?rubrique62

Hoy, 28 de Junio de 2015 se cumple el 75 aniversario del fusilamiento de Bluff y Vicente Carceller. En su memoria, Antonio Martín me ha pasado este texto que reproduzco.

75 ANIVERSARIO de la MUERTE del DIBUJANTE e HISTORIETISTA “BLUF”, CARLOS GÓMEZ CARRERA, FUSILADO en el  CEMENTERIO de PATERNA por los hombres del general FRANCO…

Antonio Martin

Quisiera estar hoy, a las 12 de la mañana, en el cementerio de Paterna para rendir recuerdo y homenaje al dibujante “BLUF”….   Pero ante la imposibilidad de estar allí quiero, al menos, dejar un breve y casi improvisado testimonio de admiración y traer al presente su recuerdo…  Al tiempo que condeno, una vez más, tajantemente, la represión que llevó a cabo el franquismo, especialmente entre 1936 y 1951, en el conjunto de los muchos miles de muertes y condenas a prisión con que arrasó y destruyó la Cultura Española… y nos dejó a todos los nacidos después de la guerra huérfanos de nuestra herencia vital, cultura y política.

He trabajado durante años sobre los autores españoles de la historieta y el humor gráfico españoles de las décadas 1920-1930, por su importancia, novedad y alta calidad y sobre todo porque su obra se apartó en general de la historieta infantil para dirigirse a un público lector adulto. Fue la generación o generaciones de K-Hito, Mihura, Tono, Alfaraz, López Rubio, Bellón, Bluff y bastantes más. Alguno de ellos, casi todos, dibujó también en las revistas infantiles de historietas pero su obra más importante quedó en las revistas de humor para adultos.

“Conocí” a BLUFF cuando preparaba mi libro sobre Historia del Cómic español en la segunda mitad de los años 70. Y ya me quedé con su nombre por sus obras primeras. En aquellos momentos sin duda eran mejores y más importantes K-Hito, por maestro, y Mihura, por su experimentación… pero Bluff tenía “algo” distinto que le convertía en un dibujante y autor importante.

Bluff, cuyo nombre civil era Carlos Gómez Carrera, se había dado a conocer, sobre todo, en la revista de humor gráfico Gutiérrez, dirigida por K-Hito, su grafismo recordaba aún a otros autores de los que había aprendido y a la mayoría de los cuales superó muy pronto hacia un estilo propio. Cuando publicó en la revista infantil Macaco demostró que era dueño de un humor muy distinto que compaginaba con obras más complejas como humorista político, siendo lo más destacable de su manera de hacer la libertad su trazo, el uso de las onomatopeyas y de los signos auxiliares en la historieta y cierta frescura gráfica que es difícil de explicar en pocas líneas. Al iniciarse los años treinta, Bluff comenzó a despegarse de la línea del humor absurdo que todos cultivaban en Gutiérrez  (no olvidemos que la revista se editaba durante la Dictadura del general Primo de Rivera) y pronto entró en contacto con las realidad concreta del país.

Durante los años de la II República Española, Bluff publicó mucho en la prensa diaria y en las revistas para adultos con obras de clara intención política de izquierdas. Al iniciarse la Guerra Civil, en 1936 se trasladó a Valencia, donde dibujó para los diarios La Correspondencia de Valencia,Adelante, La Libertad y sobre todo para la revista de humor La Traca, de Carceller.

La revista, primero publicada en valenciano/catalán, después cancelada  y desde 1931 vuelta a editar en castellano/español, nació como revista de humor grueso con muchas gotas, litros diría yo, de humor erótico y anticlerical. Pero en 1931 se reconvirtió y, sin dejar durante los años republicanos su humor anticlerical y de sal gorda, se convirtió en una revista política. Por ello fue suspendida en 1934 por el Gobierno del “bienio negro”, Lerroux, Samper, Gil Robles y tantos más. Para resurgir una vez más en 1936 después del triunfo del Frente Popular en las Elecciones Generales de febrero de aquel año, convertida en un arma de la “guerra de papel” de la propaganda.

Fue entonces cuando de nuevo conocí o “descubrí” de nuevo a Bluff. Como colaborador, como hombre esencial, como maestro de La Traca. A la que convirtió, con la ayuda de Carnicero, Enrique Pertegás, Modesto Méndez Álvarez, Palmer, Soriano Izquierdo, Echea, etc., en una revista en la primera línea de la propaganda de guerra, un arma terrible y temible que hizo befa y escarnio de los generales Queipo de Llano, siempre borracho, y Franco, a quien siempre presentó amariconado y con pluma, además de ridiculizar a los moros que trajo Franco, a los oficiales y al ejército dicho “nacional”, y puso en la picota a Hitler y a Mussolini, como sanguinarios dictadores que “avían” a Franco como a una figura de guiñol, y atacó a John Bull y a cuantas figuras, personas y entes trabajaban para hundir a la República.

De esta manera y junto a los espléndidos carteles republicanos, la revista La Traca se convirtió en la punta de lanza de la guerra de papel que se desarrollaba a la par que los hechos bélicos de la Guerra de España. De todos sus autores y dibujantes destacó por su obra gráfica, por su beligerancia contra el franquismo y por su calidad, Carlos Gómez Carreras Bluff.

Al acabar la guerra con la caída de Madrid, debido al golpe de estado del Coronel Casado con la ayuda de grupos socialistas y anarquistas, Bluff se trasladó a su casa en Madrid, donde fue detenido en abril de 1939 y encerrado en la prisión de Yeserías de Madrid. Después siguió el penoso recorrido por diversos centros de detención y cárceles, del que Eduardo Guzmán dejó testimonio en su novela biográfica Nosotros los asesinos, para finalmente acabar en la Cárcel Modelo de Valencia. En su encierro, Bluff comenzó a colaborar con dibujos, caricaturas y chistes en la revistaRedención “Semanario para los reclusos y sus familias”, creada por el Sistema Penitenciario franquista bajo el lema “la Redención de penas por el Trabajo”…. De lo que ocurrió después he escuchado o leído hasta tres versiones diferentes sobre qué chistes de Bluff, publicados en Redención, y da igual qué chiste o que tira fuera por el que le condenaron a muerte. A mi juicio, Bluff estaba potencialmente sentenciado desde mucho antes por sus feroces caricaturas de Franco y del franquismo.

Tal día como hoy, hace 75 años, el 28 de junio de 1940, Carlos Gómez Carreras Bluff fue fusilado en el Cementerio de Paterna, a veinte minutos de Valencia. Y hoy, a las 12 H. de la mañana, se realiza en dicho lugar un acto en recuerdo y homenaje a Bluff.  No puedo acudir al mismo, por ello: Vaya desde aquí mi dolorido sentir hacia uno de los mejores autores del humor gráfico español.

Y desde aquí, parafraseando a los franceses, afirmo: “Yo soy Bluff…”

… resucitó.

No me hace gracia recurrir a Vizcaíno Casas para poner título a una entrada, pero viene al pelo, qué le voy a hacer: sirva la anterior entrada para decir Diego donde dije Digo y dar por enterrado cualquier intento de separarme de esta cárcel. Vuelvo a la carga. Pero menos. Como bien decía el anuncio, pesan los años, y uno ya no tiene tantos ánimos, pero sí que tengo morriña de hablar de los tebeos que leo. Poco a poco he ido recuperando ritmo de lectura y, aunque nunca será el de antaño, me vuelve a apetecer escribir sobre esos tebeos que leo. Eso sí, con tranquilidad: una o dos entradas a la semana, seguramente a modo de reseña general de las lecturas de la semana o de lo que se me pase por la cabeza, intentando recuperar el espíritu inicial que tenía la web hace ya casi 13 años. Es decir, que nada de noticias, listas de novedades, etc. Para eso sigan ustedes mi twitter, donde vuelco las noticias que voy leyendo o webs maravillosas como Entrecomics.

Ale, nos vemos por aquí.